Examinando por Autor "de la Rubia Gómez-Moran, Andrea"

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Censura y abstracción como medio de expresión a través de la pintura contemporánea nepalí
(UAM Ediciones, 2016-03-30) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
Tradicionalmente, el arte siempre ha sido utilizado como medio de conexión entre los dioses y el pueblo de Nepal, aunque restringido por una serie de cánones establecidos por las creencias religiosas. Sin embargo, desde la llegada de las nuevas tecnologías e ideologías venidas de occidente, la sociedad nepalí sufrió una serie de cambios, los cuales se vieron reflejados en la cultura del país, convirtiéndose esta en un híbrido, mezcla de la tradición asiática y la modernidad occidental. Este artículo parte de la hipótesis de que el arte contemporáneo nepalí se ha desarrollado debido a la creciente necesidad de un nuevo lenguaje visual que permitiese a los artistas comunicar sus sentimientos tanto a nivel local como global, sin ninguna restricción ni censura. En general, el trabajo pretende dar una respuesta a las siguientes preguntas: ¿Cómo podríamos definir el arte y la identidad nepalí a día de hoy?, ¿Cuál es el papel de la comunicación internacional en la transformación de su arte local?
El color rojo femenino y la idea feminista en el grabado contemporáneo nepalí
(Universidad del País Vasco, 2023-04-27) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
El siguiente artículo analiza el desarrollo del grabado contemporáneo en el país de Nepal a lo largo de los últimos siglos. Se centra en la representación femenina y feminista, social y política, de las mujeres nepalís en relación con el culto tradicional de adoración a la diosa, o Śakti, mediante el uso del color rojo como significante de su energía creadora y destructora. Comenzando por la simbología del rojo como el color de lo femenino dentro del pensamiento tántrico ancestral, continua con las técnicas del grabado tradicional nepalí y su adaptación a las nuevas metodologías importadas desde occidente. Es a partir de una selección de artistas mujeres grabadoras que este artículo estudia cómo el arte contemporáneo nepalí utiliza el color rojo como símbolo tanto de lo femenino, el culto a la diosa y la nepalidad; como de la reivindicación social feminista, en línea con el pensamiento contemporáneo transcultural.
El dibujo mithila de las mujeres de la India. Una propuesta pedagógica del cómic alternativa
(Universidad de Granada, 2022) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
La Unidad Didáctica “El dibujo mithila de las mujeres de la India” se basa en una nueva metodología de enseñanza en torno al lenguaje visual del cómic, dentro de la asignatura de Educación Plástica de 1º de la ESO. Este proyecto consiste en el estudio y aprendizaje de la cultura mithila, al norte de la India, a través de la cual las mujeres de las aldeas se comunican de forma estética. Dado el carácter narrativo de este tipo de representación visual, la presente propuesta está diseñada para ser implantada dentro del Bloque II. Comunicación Audiovisual, de la Orden del 15 de enero, en cuyos contenidos destaca el aprendizaje de la imagen secuenciada a través del cómic, sus elementos formales y expresivos. Siendo esta propuesta específica para los centros de Educación Secundaria en la Comunidad de Andalucía, la presente Unidad no sólo muestra las características estéticas y transculturales del arte mithila, sino que además lo hace de manera híbrida con la potencialidad del arte andalusí, generando una nueva pedagogía de enseñanza del cómic esencialmente creativa y transcultural entre la India y el sur de España.
Dibujo político nepalí (1940-1970). Trazos de ironía contra el sistema Panchayat
(Universidad de Oviedo, 2024-07-16) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
A través de la representación visual de los iconos nacionales de la montaña, el Rey y el Patrimonio Cultural de Katmandú, el arte contemporáneo nepalí se define como una herramienta que contribuye a romantizar la idea internacional del país como un mágico Shangri-La. Este artículo analiza la idea del dibujo contemporáneo a través del concepto de nepalidad como estrategia nacional promovida en los tiempos del régimen Panchayat (1962-1990). En un proceso que hibrida el realismo occidental con la cultura local, la intención del régimen era la de unificar su esencia multicultural de Nepal en torno a una sola cultura construida en torno al mismo. La Vanguardia nepalí utilizaba por tanto la nepalidad de forma casi forzada en sus obras, siendo la ironía el único medio a través del cual los artistas encontraban un resquicio para expresarse en contra de esta dictadura.
Dibujo tribal, vida y ritual en los hogares de la India rural
(Dykinson, 2023-12) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
En India existen en torno a 705 grupos étnicos, categorizados dentro de la categoría de los ādivāsī: habitantes de los bosques, ganaderos marginados de la organización social urbana y relegados siempre a los planos más inferiores dentro del sistema social de castas. La presencia de la naturaleza, la feminidad y la tierra, se hace constar en todas y cada una de las formas artísticas del arte tribal de los ādivāsī. Para ellos todo ente natural, desde una piedra a un río o montaña, es un ser divino que debe de ser adorado según los cánones estéticos de cada etnia. Ya en el Valle del Indo el culto a lo agrario y a la fertilidad eran usualmente practicados para la subsistencia y crecimiento de la comunidad. Relacionando dicho culto con el pensamiento tántrico y la adoración a la Śakti, o divinidad femenina, como energía y naturaleza creadora.
Estrategias del dibujo y color a través del arte tribal de la India
(Facultad de Artes, Universidad de Cuenca (Ecuador), 2023-12-21) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
El siguiente artículo analiza el proceso de creación de dibujos tribales y diseños votivos en las paredes de las casas de las aldeas en India, centrándose particularmente en los murales rituales relacionados con los eventos matrimoniales de las etnias de Mithila y Warli. Usualmente realizados por las mujeres de las aldeas, estos dibujos suelen ser peticiones de matrimonio y fertilidad a los dioses, íntimamente ligados a la productividad de las cosechas y al pensamiento tántrico ancestral. A pesar de que el objetivo de esta ponencia es el estudio del dibujo étnico desde una perspectiva estética, está también relacionada con los aspectos antropológicos o sociológicos del contexto en el que se realizan, siendo el proceso ritual de crear el diseño mural más importante que el resultado final per se. En la actualidad la industria turística y el capitalismo global ha supuesto una vía para la independencia económica de estas mujeres, quienes han comenzado a realizar sus dibujos sobre papel con el fin de venderlos como souvenirs.
Un estudio general de las artes y la política de Nepal durante el siglo XX: Procesos de transición y diálogo multicultural.
(Servicio de Publicaciones, Universidad de León, 2016-11-30) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
Este trabajo consiste en un estudio generalizado del desarrollo del arte moderno nepalí en torno a los años 50, cuando el país comenzó un proceso de modernización como consecuencia de su reapertura al mundo exterior y consiguiente relación con las culturas extranjeras. Durante la transición, tanto el cambio político producido por las nuevas ideas democráticas como los nuevos medios de comunicación y consumo contribuyeron a la creación de un nuevo Nepal, dividido entre lo moderno y lo tradicional. El objetivo de este estudio es el de subrayar que el arte moderno de Nepal se desarrolló a partir de su propia localidad, pero también teniendo en cuenta la influencia que sobre el arte nepalí han ejercido los procesos capitalistas y globalización cultural.
Ilustrando Nepāl en el siglo XIX. El dibujo de Raj Man Singh Chitrakar
(Departamento de Historia del Arte, Universidad de Málaga, 2023-11-28) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
A lo largo de los siglos XIX y XX, cuando las fronteras del Himalaya se encontraban políticamente cerradas a la intromisión extranjera, los pocos científicos europeos que tuvieron la fortuna de adentrarse en el valle de Nepāl lo hicieron usualmente junto a un grupo de artistas citrakār indios o nepalíes. Desde el anonimato, estos artistas contribuyeron al desarrollo del conocimiento científico de flora, fauna y culturas del Himalaya, gracias a su extraordinaria habilidad en el dibujo realista. El siguiente artículo se centra en la figura del británico, naturalista y etnólogo Brian Houghton Hodgson, y en sus estudios sobre la biología himaláyica y la cultura budista newār. Para ello analiza la obra gráfica del artista que lo acompañaba, Raj Man Singh Chitrakar, como el primer dibujante nepalí reconocido por haberse especializado en la técnica occidental.
Mary, Marianne, Margaret y las flores del rāj
(Anales de Historia del Arte, 2021-10-19) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
A lo largo del siglo XIX la expansión del Imperio Británico en Asia, así como en otras partes del mundo, generaría la necesidad de documentar los nuevos descubrimientos científicos de flora y fauna con la mayor precisión, así como la traducción visual de los paisajes y arquitectura foráneos a través del lenguaje de lo pintoresco. El acto de pintar la naturaleza en el extranjero, ya fuese con fines científicos o creativos, se convirtió de este modo en una moda secular, protagonizada por los viajeros de clase alta que por aquel entonces se aventuraban a explorar los nuevos parajes, paulatinamente colonizados por la idea mística de lo Oriental. Coincidiendo con el surgimiento de los movimientos feministas en occidente, el siguiente artículo explora estas ideas a través de las obras pictóricas de tres mujeres Victorianas residentes en la India en diferentes etapas de desarrollo del rāj, así como en diferentes contextos. Amantes de los jardines y apasionadas de la botánica, estas mujeres dedicaban gran parte de su tiempo a incluir las formas creativas de la flora y fauna del país en sus dibujos, pinturas o fotografías desde 1850. Al mismo tiempo, estas mujeres Victorianas se toparon con una India erótica y exuberante, aún subyacente en los márgenes del Imperio y muy presente en el arte y la cultura tradicional. A partir de las ilustraciones de carácter científico de Mary Impey, las pinturas ajardinadas de Marianne North y las fotografías teatrales de Margaret Cameron, este artículo concluye que el análisis de las obras florales de estas tres mujeres viajeras debe realizarse no sólo como un acto documental-colonial, sino sobre todo como un modo de desatar el carácter erótico y sensual intrínseco a su condición femenina, habiendo sido su sexualidad reprimida como mujeres del rāj y recuperada a través de su encuentro con la naturaleza oriental.
MUESTRA. 27 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias
(Principado de Asturias, 2016) Peña Coto, María; González, Nieves; Morán, Beatriz; Norniella, Tamara; de la Rubia Gómez-Moran, Andrea; Ruibal, Nuria; Ruisánchez, María
Catálogo de exposición colectiva "27 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias", 2027, Sala Borrón, Oviedo & Sala de Arte Joven de Madrid
Pintoras británicas en la India victoriana
(Ediciones Asimétricas, 2022-01) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
El siguiente artículo propone investigar los procesos a través de los cuales las pocas mujeres anglo-indígenas que habitaban en India durante la época pre-colonial, e inmediatamente después de ella, comprendían y representaban no solo los paisajes campestres y urbanos de India y el Himalaya, sino también a las propias mujeres indígenas y sus costumbres como sus contrarias. De este modo, veremos que mientras que los paisajes de la India realizados por el sector varonil en esta época se conciben como simples herramientas científicas de documentación, más allá del uso inevitable de la idea de lo pintoresco en los mismos, las obras realizadas por sus mujeres y acompañantes esta caracterizadas por tener un sesgo más personal y menos académico. Subrayando factor individual como un factor importante a la hora de analizar estas pinturas femeninas, dentro de un claro contexto de diferenciación entre las mismas. El cual dependía tanto de su propia condición y estatus social dentro de la sociedad británica en la India, que derivaba del rango adquirido por su marido en la jerarquía colonial, como del inicio los pensamientos libertadores generados a través de los por los movimientos feministas, que ya comenzaban a tambalear la estructura social del mundo occidental por aquel entonces.
Los pintorescos retratos de los Rana en Nepal. El lenguaje transnacional de la élite en el siglo XX
(UAM Ediciones, 2020-03-31) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
Este artículo consiste en un análisis histórico-crítico sobre el comienzo del desarrollo del arte contemporáneo nepalí a principios del siglo xx y a lo largo de la autarquía de los maharajás Rana de Nepal. Como hipótesis de partida, se establece que el arte contemporáneo de Nepal surge a consecuencia del mito de ida y vuelta, u “orientalismo” versus “occidentalismo”, confluyendo en el origen de una nueva forma de arte visual utilizada como medio de comunicación internacional. Se analiza cómo a través de las técnicas de pintura y fotografía contemporáneas, heredadas del arte occidental, la élite de Nepal utilizó el arte visual como una herramienta creadora de su propio “mito oriental”. Destacando en particular la relevancia de la idea del “Himalaya pintoresco” para tal fin. Hibridando estas nuevas técnicas con la idea del arte tradicional, se concluye que fue mediante estos grandilocuentes retratos “auto-divinizados” a través de la mano creadora del artista contemporáneo, como los Rana afianzaron su poder exótico en la nación himaláyica con el fin último de proteger la independencia del país.
Reflejos de violencia y política internacional en la pintura abstracta contemporánea de Nepal: una cuestión sin resolver
(Universitat Autónoma de Barcelona, 2016-04-16) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
Desde que las nuevas ideologías libertarias y democráticas propias de occidente llegaron a Nepal a través de India, la sociedad nepalí sufrió una serie de cambios que se vieron inevitablemente reflejados en una nueva oleada artística. Los pintores nepalíes adoptaron los estilos occidentales -en particular el realismo y, a partir de los cincuenta, la abstracción- como medios innovadores para representar el ambiente de violencia, en un siglo caracterizado por revuelta, la subversión, y el malestar en el país.
Técnicas húmedas: la acuarela
(2024-10-01) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
En esta presentación aprenderemos las características de la acuarela así como su uso a través de diferentes técnicas
Tras la sonrisa del Himalaya. Arte y política contemporánea nepalí a través de la obra de Birendra Prataph Singh
(Universitat Autónoma de Barcelona, 2022-04-09) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
Birendra Prataph Singh comenzó a crear sus pinturas ambientales en los años 70, en un tiempo en el que Nepal se encontraba aún en un proceso de despertar ante el impacto de la modernidad. El país, que había permanecido bajo un régimen de aislamiento durante cien largos años (1850-1950), se encontraba de pronto sumergido en un rápido proceso de modernización. La obra de Birendra abarcó prácticamente todas las tendencias creativas comúnmente focalizadas en torno a la idea de “nepalidad” y su representación nacional, de acuerdo con la política del sistema Panchayat. A través de su análisis, el siguiente artículo realiza un repaso a la historia más reciente del arte contemporáneo en este país, introduciendo sus diferentes movimientos y los artistas locales que los encabezaron. Se basa en la hipótesis de que, a pesar de la idoneidad patriótica de estas pinturas, éstas han de ser también analizadas desde la perspectiva de la ironía nepalí. Pues es a través del uso de la sátira como los artistas de la generación de Birendra desvelan la realidad política, ecológica y social del país himalayo en la era contemporánea.
La turista feminista y el arte Mithila en India y Nepal. Consumismo por el desarrollo de la mujer moderna
(Ediciones Complutense, 2015-01-27) de la Rubia Gómez-Moran, Andrea
El arte Mithila, hecho tradicionalmente por las mujeres de India y Nepal, ha experimentado grandes cambios en los últimos años desde la aparición del turismo y las ONGs, que han convertido esta práctica milenaria en un arte comercializado con el fin de colaborar al desarrollo de la “mujer del tercer mundo” mediante la venta de su trabajo creativo.